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 Angeli, litografi a Lucca

 Una mostra dedicata alla storica stamperia d’arte Litografia Angeli, che ha svolto a Lucca per più di quattro decenni, a partire dagli anni Sessanta del Novecento

La Fondazione Ragghianti inaugura, venerdì 23 novembre, una mostra dedicata alla storica stamperia d’arte Litografia Angeli, che ha svolto a Lucca per più di quattro decenni, a partire dagli anni Sessanta del Novecento, grazie a Giuliano Angeli, un’importante attività legata ad artisti toscani e non solo.

La mostra ripercorre la storia di una realtà tutta italiana. La stamperia nasce, in realtà, nel 1948, in via della Zecca, fondata dal padre Giulio Angeli, che acquistò un torchio litografico e cominciò a lavorare realizzando stampati ed etichette per aziende.

Giuliano Angeli prende in mano la stamperia negli anni Sessanta e inizia a operare con i pittori lucchesi che si avvicinano alla tecnica del disegno su pietra, vista la necessità di rendere più accessibile l’arte e di rispondere così alla curiosità manifestata da una sempre più ampia platea di appassionati.

Nella mostra sono esposte circa sessanta litografie, tra le più significative e tecnicamente complesse stampate da Angeli, stampe progressive dei colori di una litografia, cartelle litografiche, pietre litografiche, documentazione fotografica e il torchio a stella con l’attrezzatura originale usata da Giuliano Angeli (stampa, inchiostri, strumenti, carta…).

La mostra rimarrà aperta fino al 6 gennaio 2019, accompagnata da un catalogo che documenta la storia della stamperia Angeli e le opere in mostra.


Durante la mostra si terranno workshop sulla tecnica litografica tenuti dall'artista Giuseppe Renda, oltre che dallo stesso Giuliano Angeli.

 

Fondazione Centro Studi sull’Arte Licia e Carlo Ludovico Ragghianti

Complesso monumentale di San Micheletto

Via San Micheletto 3, Lucca

Orario: dal martedì alla domenica dalle ore 10 alle 13 e dalle 15 alle 19

Ingresso libero

Visite guidate su prenotazione (50 euro) per gruppi e scuole

 

e-mail: Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

sito web: www.fondazioneragghianti.it

info: tel. +39 0583 467205

 

 

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The Art of Banksy. A visual protest

Un progetto espositivo che raccoglierà circa 80 lavori tra dipinti, sculture, prints dell’artista inglese, corredati di oggetti, fotografie e video, che racconteranno attraverso uno sguardo retrospettivo l’opera e il pensiero di Banksy.

Banksy, artista e writer inglese la cui identità rimane tuttora nascosta, è considerato uno dei maggiori esponenti della street art contemporanea. Le sue opere sono spesso connotate da uno sfondo satirico e trattano argomenti universali come la politica, la cultura e l'etica. L’alone di mistero che, per scelta e per necessità, si autoalimenta quando si parla della figura di Banksy lo fa diventare un vero e proprio mito dei nostri tempi. La sua protesta visiva coinvolge un vastissimo ed eterogeneo pubblico e ne fa uno degli artisti più amati dalle giovani generazioni.
Sono già state organizzate diverse mostre su Banksy presso gallerie d’arte e spazi espositivi, ma mai un museo pubblico italiano ha ospitato finora una sua monografica (se si eccettua quella organizzata dall’artista stesso, come al Bristol Museum nel 2009). Il MUDEC-Museo delle Culture di Milano per la prima volta ospita all’interno delle sue sale una retrospettiva sull’artista inglese.
Sarà una mostra non autorizzata dall’artista, come tutte quelle a lui dedicate prima d’ora, in quanto Banksy continua a difendere il proprio anonimato e la propria indipendenza dal sistema.

“The Art of Banksy. A visual protest”, in mostra al MUDEC dal 21 novembre 2018 al 14 aprile 2019, è un progetto espositivo curato da Gianni Mercurio, che raccoglierà circa 80 lavori tra dipinti, sculture, prints dell’artista inglese, corredati di oggetti, fotografie e video, che racconteranno attraverso uno sguardo retrospettivo l’opera e il pensiero di Banksy. Un percorso a suo modo accademico e insolito, ma coerente con la mission di un museo come il MUDEC, ovvero quella di fornire a ogni fascia di pubblico le chiavi di lettura per comprendere (e apprezzare) le culture del mondo e i grandi temi della contemporaneità attraverso tutte le arti visive, performative e sonore.

Promossa dal Comune di Milano-Cultura e da 24 ORE Cultura-Gruppo 24 ORE, che ne è anche il produttore, la mostra The Art of Banksy. A Visual Protest, ideata da Madeinart, si articolerà attraverso sezioni, che porteranno a una riflessione critica su quale sia (e quale potrà essere) la collocazione di Banksy in un contesto più generale della storia dell’arte contemporanea.
La mostra rientra inoltre nel più ampio progetto scientifico concepito dal MUDEC “Geografie del futuro”, un racconto sul “sapere geografico” inteso come rilevamento di territori e di culture e superamento dei confini, letto attraverso la lente di diverse discipline di studio.
Il Museo delle Culture rifletterà insieme ai visitatori sul tema della disciplina geografia, cercando di capire quali tipi di “geografie” definiranno i confini della nostra conoscenza del mondo nel futuro, in un mondo che riduce sempre più gli spazi grazie alla tecnologia, e dove i luoghi e i non-luoghi da esplorare diventano sempre più complessi e elusivi. In particolare, con Banksy la relazione con la geografia e il paesaggio si connotano di tratti assolutamente “sociali”: la relazione con il paesaggio umano nel quale Banksy si esprime, spesso in zone di conflitto, dove anche la politica e le istituzioni faticano ad arrivare, l’attitudine sperimentale, la teoria della “psicogeografia” di matrice situazionista, secondo cui lo spazio di azione dell’artista è il territorio.
Ecco perché The Art of Banksy. A Visual Protest, rientra come terza mostra – e nuova frontiera della geografia - nel progetto di “Geografie del futuro”.

LA MOSTRA In linea con i principi di fruizione delle opere dell’artista non sono presenti in mostra suoi lavori sottratti illegittimamente da spazi pubblici, ma solo opere di collezionisti privati di provenienza certificata.
Si illustrano i “movimenti” che hanno utilizzato una forma di protesta visiva attraverso la fusione di parole e immagini e con un’attitudine all’azione, a cui Banksy fa riferimento esplicitamente per modalità espressive: dal movimento situazionista degli anni ’50 e ’60, con il quale Banksy condivide l’attitudine sperimentale e l’attenzione sulle realtà urbane, alle forme di comunicazione ideate e praticate dall’Atelier Populaire, il collettivo di studenti che nel maggio del 1968 diffuse attraverso centinaia di manifesti i temi della protesta sui muri di Parigi; fino ad arrivare ai lavori dei writers e dei graffitisti di New York degli anni ’70 e ’80, multiculturali e illegali per vocazione e dal forte senso di appartenenza comunitaria. Come gli street artists della sua generazione Banksy accentua il contenuto dei messaggi politici e sociali in maniera esplicita, spostando il messaggio dalla forma al contenuto.
Questi aspetti emergeranno come fondanti dell’arte di Banksy nel corpus di opere presentate in mostra, che saranno suddivise per generi e temi , come ad esempio l’idea e la pratica della serialità e della riproducibilità dei lavori riferiti a Warhol (tra i quali i ritratti di Kate Moss o le serie “Tesco”, in cui utilizza il marchio della grande catena di distribuzione britannica alla maniera di Campbell’s Soup) o del détournement, in cui Banksy interviene su copie di opere esistenti e spesso universalmente conosciute, con l’inserimento però di alcuni elementi stranianti che ne modificano il significato.
Attraverso la lettura dei lavori saranno quindi illustrate le strategie, il senso e gli obiettivi dei suoi messaggi e la sua cifra stilistica , data dalla tecnica dello stencil, affinata da Banksy con il duplice scopo di poter eseguire i lavori illegali con una notevole velocità e allo stesso tempo renderli più elaborati.
Una speciale sezione video racconterà al pubblico imurales che Banksy ha realizzato in diversi luoghi del mondo, tuttora esistenti o scomparsi, evidenziando così quanto il Genius loci sia un aspetto fondamentale nel suo lavoro: molti lavori nascono infatti anche semplicemente in funzione dei e per i luoghi in cui sono realizzati.
Il messaggio di Banksy e la sua arte si manifestano come un’esplicita e mordace provocazione nei confronti dell’arroganza dell’establishment e del potere, del conformismo, della guerra, del consumismo. 
Come ha spiegato Shepard Fairey, famoso street artist americano: “le sue opere sono piene di immagini metaforiche che trascendono le barriere linguistiche. Le immagini sono divertenti e brillanti, eppure talmente semplici e accessibili: anche se i bambini di sei anni non hanno la minima idea di che cosa sia un conflitto culturale, non avranno alcun problema a riconoscere che c’è qualcosa che non quadra quando vedono la Monna Lisa che impugna un lanciafiamme.”

 

 

 

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 A LAPSE, A STAIN, A FALL di OTOBONG NKANGA

Composta da lavori recenti, progetti in corso e due nuove commissioni, A Lapse, a Stein, a Fall articola un passo ulteriore nella ricerca che Nkanga conduce intorno ai molteplici valori che le risorse naturali possono assumere nell’Antropocene

L’artista Otobong Nkanga (Lagos/Anversa) ritorna ad ar/ge kunst dal 23.11.2018 al 09.02.2019 per la sua prima personale in Italia dopo aver partecipato alla mostra programmatica Prologue Part II – La Mia Scuola di Architettura nel Novembre 2013.

Composta da lavori recenti, progetti in corso e due nuove commissioni, A Lapse, a Stein, a Fall articola un passo ulteriore nella ricerca che Nkanga conduce intorno ai molteplici valori che le risorse naturali possono assumere nell’Antropocene. Un processo che l’artista porta avanti unitamente a un’incessante esplorazione delle reciprocità che esistono tra la morfologia della terra e quella del linguaggio.
Usando la scultura, il disegno e la performance, ma anche la scrittura, i progetti editoriali e i formati pedagogici, Nkanga guarda al concetto di land (nelle sue accezioni di terra, territorio, terreno, paese…) come formazione geologica e discorsiva, spesso prendendo come suo punto di partenza i sistemi e le procedure con cui le materie prime sono estratte localmente, tecnicamente processate e messe in circolazione globalmente. Da qui, l’artista segue i fili che mettono in relazione i minerali, la cultura materiale e la costruzione del desiderio, con la ridistribuzione di potere e conoscenza.

Otobong Nkanga ha concepito A Lapse, a Stain, a Fall come un display organico di opere che si dispiegano nello spazio seguendo un ritmo cromatico, dal nero fino a una sempre più complessa gamma di colori. Una progressione di lavori che “germinano” intorno a una nuova opera centrale che, come un’arteria, percorre la lunghezza dell’architettura da muro a muro, trasformando la mostra in un organismo vivente e diasporico, dove le parti del corpo si tengono unite attraverso la pelle.

La centralità della nozione di “corpo” nel pensiero di Otobong Nkanga, risuona profondamente con il titolo della nuova opera commissionata per questa occasione, Veins Aligned (Vene allineate), una scultura di 26 metri che giace sul pavimento di ar/ge kunst, composta da strati di vetro e marmo dalle cave di Lasa, e di cui entrambi i materiali sono stati lavorati in collaborazione con esperti locali. Si tratta di una scultura che evoca il sentimento profondo che Nkanga nutre per la materia e che si rivela nell’urgenza di creare una continuità tra i materiali così che operino tra essi come “struttura di supporto”. Allo stesso tempo, un sentimento che emerge nell’urgenza di riconoscere tutte le sue stratificazioni come portatrici di una conoscenza situata: dalla pelle, con la sua lucentezza che produce desiderio, fino attraverso la complessa struttura molecolare, con le sue proprietà geo-tecnologiche. Una conoscenza che è importante saper estrarre, rendendo visibile come ogni processo di estrazione rischi di diventare estrazione di capitale e potenzialmente un atto violento verso un corpo, sia esso quello di un essere umano, di un materiale o di un paese.

Un ringraziamento a Alessandro Cuccato e Alessandra Piazza per il supporto tecnico che ha consentito la realizzazione dell’opera Veins Aligned

Un ringraziamento speciale per il materiale e la produzione a
Lasa Marmo
Gruppo Dalle Nogare

Con il gentile sostegno di Flanders, State of the Art
Provincia Autonoma dell’Alto Adige, Ripartizione Cultura
Fondazione Cassa di Risparmio, Bolzano
Comune di Bolzano, Ripartizione Cultura

 

 

Venia Dimitrakopoulou Anemos 2009

Venia Dimitrakopoulou, Anemos, 2009

 

 VENIA DIMITRAKOPOULOU. FUTURO PRIMORDIALE - Materia

Il volume è composto da un saggio introduttivo a firma di Germano Celant, da una cronologia a firma di Germano Celant e Antonella Soldaini.

La scultrice greca Venia Dimitrakopoulou torna ad esporre eccezionalmente in Italia con una importante mostra personale ospitata presso il Museo archeologico regionale "Antonino Salinas" di Palermo dal 16 novembre 2018 al 3 febbraio 2019, intitolata "Venia Dimitrakopoulou. Futuro Primordiale - Materia".

Al Museo Salinas il composito universo creativo dell'artista è rappresentato da una considerevole selezione di opere - sculture, carte e installazioni, alcune esposte per la prima volta in Italia - tra cui spiccano inedite realizzazioni site-specific, per una mostra-installazione, curata da Afrodite Oikonomidou e Matteo Pacini, che dialoga con i reperti archeologici esposti in permanenza nelle sale museali. Il Salinas, infatti, è il più antico museo dell'isola e la più importante istituzione museale pubblica dedicata all'arte greca e punica in Sicilia, che su indirizzo del Direttore Francesca Spatafora si è aperta negli ultimi anni ai linguaggi dell'arte contemporanea.

L'esposizione gode dei patrocini del Ministero della Cultura e dello Sport della Repubblica Ellenica, dell'Ambasciata di Grecia a Roma, dell'Assessorato Regionale dei Beni Culturali e dell'Identità Siciliana - Regione Siciliana, del Comune di Palermo ed è inserita nelle manifestazioni del progetto Palermo Capitale Italiana della Cultura 2018.

La mostra palermitana è la prima tappa della "Trilogia Italia" organizzata dalla Fondazione Ellenica di Cultura - Italia in collaborazione con l'Istituto Siciliano di Studi Bizantini e Neoellenici "Bruno Lavagnini" e con Artespressione di Milano, galleria di riferimento dell'artista in Italia per questa rassegna che tocca anche Torino e Trieste. Il percorso, che presenta delle peculiarità per ogni città, coinvolge infatti prestigiose sedi espositive: oltre al MUSEO SALINAS di Palermo, la GALLERY della FONDAZIONE SANDRETTO RE REBAUDENGO a Torino dal 22 febbraio al 31 marzo 2019, quindi il CIVICO MUSEO SARTORIO e il CASTELLO DI SAN GIUSTO a Trieste dal 12 aprile al 14 giugno 2019.

La "Trilogia" evidenzia la tematica propria di tutta la produzione della scultrice ellenica: il dialogo continuo tra il passato e il presente, partendo dal ricco retaggio archeologico che accomuna la cultura greca a quella del nostro Paese. Da qui il titolo "Futuro Primordiale", declinato con un sottotitolo specifico per ciascuna delle tre mostre: a Palermo "Materia", a Torino "Logos" e a Trieste "Suono". "Tutte e tre le esposizioni - precisa l'artista - sono legate dallo stesso filo conduttore, quello che tengo saldamente in mano per non perdermi, quello che, in questa occasione, definisco "Futuro Primordiale". Viene dal profondo del tempo e, con la consapevolezza del presente, sento che può condurci al futuro rendendolo meno incerto".

In tutti i lavori esposti al Museo Salinas protagonista è la materia - dalla pietra lavica alla carta a mano cinese, dal bronzo al marmo, dal gesso alla terracotta - che sottolinea quanto l'archeologia riviva nella contemporaneità e l'immersione nel passato serva a comprendere il presente. Spiega infatti la scultrice: "A Palermo espongo le pietre vulcaniche, le teste dei guerrieri caduti e degli eroi, così come le opere su carta cinese, le Vesti di Nesso, l'Armatura Segreta e le Linee di pensiero. È un dialogo tra fragilità e solidità, l'effimero e l'eterno. Una riflessione sul modo in cui l'archeologia svela la materia nel presente. La materia, quindi, è il tema principale".

Venia Dimitrakopoulou decide di "sentire" attentamente ciascun luogo del suo lungo tour espositivo, creando appositamente nuove opere per rimanere "sintonizzata" con l'atto creativo, così come lei lo concepisce: "un processo continuo, un flusso in cui tutto è aperto all'inaspettato".

E così, per citare alcuni lavori esposti al Museo archeologico di Palermo, gessi, bronzi e pietre vulcaniche di Egina (isola dove ha sede lo studio dell'artista) diventano teste e volti, spesso dalla bocca semi aperta, di antichi guerrieri, eroi e semidei come nelle opere Agamennone (2005-2009) e Pelope (2009), accanto a Lance (2018) in marmo e ottone dorato che raccontano il passato dell'Egeo attraverso venature nascoste e si innalzano come baluardi, strumenti di difesa. In queste opere la materia prima determina il modellato estetico delle sculture che, a dialogo con l'ambiente in cui vengono presentate, mettono in risalto riferimenti storici e caratteristiche del luogo di provenienza, e raccontano così una sorta di storia personale che guida il visitatore nella loro contemplazione e interpretazione.

Le creazioni contemporanee di Venia Dimitrakopoulou si muovono infatti in costante equilibrio tra le ricerche moderne e l'estetica, i materiali e le tecniche tradizionali, passando dalla piccola scala alla monumentalità. Significativa in proposito l'imponente scultura Promahones, esposta presso il Museo Archeologico Nazionale di Atene e rievocata a Palermo dalla serie fotografica Promahones - Ombre (2014). Composta da giganteschi dischi in acciaio inclinati, aperti alle estremità, come sottolinea Franco Fanelli "arricchisce enormemente il gioco d'ombre che queste opere possono proiettare, sdoppiandole, moltiplicandole".

Attraverso pietra, marmo, terracotta, metallo o carta, che si declinano al servizio di un nomadismo stilistico che va dalla scultura tradizionale all'installazione, dal video all'azione, dalla scrittura al segno grafico, l'artista investiga caratteristiche e comportamenti della materia, dando un respiro di vita alle figure e agli oggetti che ne nascono. Esemplificativo il video Zoodochos Pighi (Fonte di Vita, 2011), opera drammatica nel senso etimologico della parola, in cui le mani dell'artista si ergono a simbolo della forza generatrice della dimensione scultorea, in un incessante processo metamorfico di creazione e distruzione della forma.

Tutte le opere della Dimitrakopoulou hanno un profondo carattere antropocentrico e riflettono sul ruolo dell'esistenza umana nello spazio e nel tempo che l'artista sceglie di cogliere nella sua creazione, chiamando l'osservatore a partecipare dell'espressione artistica, a viverla come una relazione con se stesso, attraverso un'esperienza interiore, mentale e sentimentale. Emblematiche le serie su carta delle Vesti di Nesso e delle Linee di pensiero (entrambe del 2011) dove, attraverso la scrittura automatica sulla forma di un’antica tunica o di uno stendardo, traspare in diverse lingue la dimensione intima dell'artista, che libera i suoi sentimenti e pensieri per poi nasconderli parzialmente dietro ad una linea, quasi a cancellarli ma mai del tutto.

Le tre esposizioni di Venia Dimitrakopoulou nel nostro Paese rientrano tra le azioni del programma "Tempo Forte Italia - Grecia 2018", iniziativa promossa dall'Ambasciata d'Italia ad Atene e sancita nel corso del Primo Vertice Intergovernativo tra Italia e Grecia, tenutosi il 14 settembre 2017 a Corfù, volta a favorire e sostenere il rafforzamento delle relazioni culturali tra i due Paesi del Mediterraneo, nel rispetto dell'equilibrio tra i vari ambiti culturali, dalla tradizione al contemporaneo, dal passato al futuro.

Accompagna tutte e tre le tappe della rassegna un esaustivo catalogo edito da Umberto Allemandi con testo introduttivo di Franco Fanelli.

Cenni biografici: Venia Dimitrakopoulou è una scultrice greca, nata e formatasi ad Atene, dove studia scultura presso l'Accademia di Belle Arti, si diploma alla Scuola Superiore di Arte Drammatica del Conservatorio di Atene, perfezionandosi poi presso l'Atelier Vivant de l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts di Parigi.

Numerose le mostre personali e collettive in Grecia e all'estero, dove le sue opere fanno parte di importanti collezioni pubbliche e private.

Nell'inverno 2014-15 la sua scultura monumentale Promahones è presentata ed esposta nell'atrio del Museo Benaki di Atene, in occasione del quale è realizzata la pubblicazione "Venia Dimitrakopoulou - Promahones", edita da Hatje Cantz; quindi nell'ottobre 2016 l'opera trova la sua collocazione nel cortile principale del Museo Archeologico Nazionale di Atene.

Nel novembre 2015 presenta la sua attività artistica nel quadro dei programmi educativi della Biennale Sessions di Venezia, in collaborazione con la sezione giovani del Fondo Ambiente Italiano (FAI) e la Fondazione Ellenica di Cultura-sezione Italia. I due incontri: "Immagini dalla Grecia contemporanea a Venezia" e "Intervista di Giorgia Florio a Venia Dimitrakopoulou" sono a cura di Caterina Carpinato e realizzati in collaborazione con l'Università Ca' Foscari di Venezia unitamente alla galleria Artespressione di Milano di Paula Nora Seegy, dove nell'aprile 2016 inaugura la sua prima personale italiana dal titolo Selected works, a cura di Charis Kanellopoulou e Matteo Pacini.

Nel 2017 il Presidente della Repubblica Italiana Sergio Mattarella le conferisce l'onorificenza di Cavaliere dell'Ordine della Stella d'Italia in riconoscimento del suo contributo, attraverso il suo operato artistico, al rafforzamento dei rapporti tra Grecia e Italia.

Partecipa come membro attivo nel gruppo di lavoro di "Tempo Forte", iniziativa culturale dell'Ambasciata italiana in Grecia, promossa a livello intergovernativo per consolidare e celebrare gli aspetti comuni delle identità dei due Paesi.

Attualmente vive e lavora tra la capitale greca e l'isola di Egina.

www.dimitrakopoulou.com

 

 

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La mostra personale di Maria Wasilewska "Reflections & Distortions"

In occasione del centenario dell'indipendenza polacca (1918-2018) inaugura a Milano da Gaggenau Hub la mostra personale dell'artista Maria Wasilewska a cura di Sabino Maria Frassà.

In occasione del centenario dell'indipendenza polacca (1918-2018) inaugura a Milano da Gaggenau Hub (Corso Magenta 2 - cortile interno) il 14 novembre la mostra personale dell'artista Maria Wasilewska "Reflections & Distortions" a cura di Sabino Maria Frassà. La mostra, che sarà aperta fino al 13 gennaio 2019, conclude il ciclo artistico ON REFLECTION promosso dal brand di design Gaggenau e dal progetto non profit CRAMUM

"Reflections & Distortions" ha ottenuto il patrocinio e supporto del Consolato generale della Repubblica di Polonia.

Maria Wasilewska, grazie a Gaggenau e Cramum, ha la possibilità di presentare sei sculture inedite in legno e acciaio che completano un lungo e ambizioso progetto avviato proprio a Milano nel 2014 grazie alla mostra "Distortions" da AMY D Arte Spazio, galleria che la rappresenta in Italia. Tutte le opere di questo "ciclo" sono accomunate dalla forte distorsione nel riflesso. Del resto secondo l'artista l'arte non può che rappresentare il caos postmoderno e la deformità della realtà in cui viviamo e che si nasconde dietro un ordine di facciata.

Spiegando l'origine del titolo della mostra - Reflections & Distortions - l'artista spiega  che "la mia stessa idea di arte riguarda la distorsione. L'arte è proprio quella "distorsione", quell'alterazione della realtà che porta lo spettatore a riflettere e non a riflettersi nell'opera. Maggiore è la presenza di "distorsioni" mediante movimenti, riflessi e altre inferenze, maggiore sarà la possibilità che ci distacchiamo dall'ossessione di interpretare e razionalizzare la realtà e tutto ciò che ci circonda."

Il curatore, Sabino Maria Frassà, spiega così le opere in mostra: "Chi sono quei mostri informi che vediamo nel riflesso delle sculture di Maria Wasilewska? Siamo "noi"? Le opere - apparentemente algide e perfette - ricercano in realtà la deformità nel riflesso come unico modo di rappresentare noi e la realtà. Lo spettatore si trova così di fronte all'opera perso, deforme e moltiplicato ... uno, nessuno e centomila. Questa moltiplicazione e deformità sono infine intrappolate in numerosi scatti fotografici, che ci portano ulteriormente a riflettere su chi siamo noi e sul mondo in cui viviamo, ci rappresentiamo e vediamo il mondo che ci circonda. Maria Wasilewska con le sue opere non ci fornisce mai le risposte, ma ci ricorda ancora una volta che l'unica certezza che l'uomo contemporaneo può avere è il "so di non sapere" o addirittura il "so di non poter sapere". Per tale ragione "Reflections & Distorsions" era il progetto espositivo "giusto" con cui concludere il ciclo On Reflection, che ha offerto spunti per riflettere e comprendere meglio - attraverso l'arte e i "suoi" riflessi - chi siamo, dove andiamo o dove non stiamo andando".

 

REFLECTIONS AND DISTORTIONS

Mostra personale di Maria Wasilewska a cura di Sabino Maria Frassà
Grazie a DesignElementi
Inaugurazione mercoledì 14 novembre dalle ore 18:30 alle ore 21:00 Ingresso gratuito dal 15 novembre al 13 gennaio
lunedì - venerdì: 10.00 – 18.30
Per informazioniQuesto indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.